DALLE NOTE DI REGIA

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DALLE NOTE DI REGIA

DALLE NOTE DI REGIA

IL TEATRO ALLA RICERCA DELLA VITA

“Con questo Don Giovanni ci allontaniamo dalla tradizione recente che ci ha abituati (anche con allestimenti molto belli e paludati) a un protagonista emaciato, pre-esistenzialista, malinconico e cerebrale, in linea con le riletture novecentesche di Don Giovanni. Così a partire dal protagonista ho deciso di lasciar perdere il Cavaliere Spagnoleggiante della prima tradizione, così come la figura vampiresca e tardoromantica che fu cara agli intellettuali del secolo scorso. Per quanto mi riguarda si tratta solo di divagazioni lontane da quella cosa che io chiamo ‘vita’ – per mancanza di terminologia più precisa – e che mi ostino a ricercare in teatro, anche contro l’evidente contrarietà di certi testi e dei loro autori.
Cosa cerco? Cerco proprio Lui, il protagonista di questa storia, come posso immaginare che sia stato PRIMA che nascesse la sua leggenda e la sua letteratura. Lo cerco nella vita, più che nel testo. Se lo cerco nella tradizione, Don Giovanni non c’è, c’è un fantasma letterario al suo posto. Se lo cerco nella realtà che mi sta intorno, Don Giovanni è poco più di un delinquente, un autentico delinquente, non un borghese che si atteggia. È il risultato di un eccesso di desideri compulsivi e viziosi, che egli coltiva con il preciso scopo di stare BENE con se stesso, e non di autopunirsi in modo estetico (come nella tradizione vampiresca novecentesca), né di fare la rivoluzione culturale. Ma con una caratteristica in più, che sembra però una caratteristica in meno, ma non lo è: la propria scarsa consapevolezza di chi egli sia realmente nell’anima. Questo suo ‘non percepirsi’ nel profondo, questo rifiuto a priori di considerare degno di interesse la coscienza di sé, è una condizione psicologica molto contemporanea, teatralmente interessante, poco indagata.»
(note a margine dell’allestimento)

LA VITA IN UN BAR, IL TEMPO CHE NON PASSA E QUATTRO TESTI BREVI DI PINTER PER RACCONTARE L’UMANITA’

Quattro storie con un tema comune. Anzi con qualcosa di più che un ‘tema’, diciamo che tutte e quattro condividono un’atmosfera umana molto particolare, quella dei ‘barflies’, e hanno in comune un ‘luogo’, appunto un baretto notturno. A grandi linee si potrebbe anche dire che lo spettacolo è costituito da quattro momenti, dispersi nel tempo, della vita di questo luogo, sempre lo stesso, visto in quattro modi e in quattro tempi diversi.
I testi sono Il calapranzi, Tess, L’ultimo ad andarsene e infine Night.
Il luogo, dicevamo, è una specie di bar notturno di basso rango. Un luogo molto realistico, certo, ma grazie alla sua desolazione, anche assai metaforico. Luoghi come quelli, senza troppo sforzo di immaginazione, appartengono alla poesia urbana (italiana e universale). Sono i localini notturni vicini alle stazioni, o nei viali di circonvallazione, insomma i celebri non luoghi del nostro mondo. La portata metaforica delle immagini che evocano è molto forte, ed è ormai entrata nell’iconografia popolare, non c’è bisogno di andare a scomodare né Hopper, né Wenders, e forse, ormai, neppure Pinter. Sono luoghi che fanno parte della semplice poesia di vivere, insieme ai loro personaggi notturni, esseri famelici di vita – una vita qualsiasi – ma torturati dalla noia e dal non senso.
In questo spettacolo c’è un rispetto sacro dell’unità di luogo, ma non ce n’è affatto per l’unità di azione e di tempo. L’incongruenza cronologica tra un atto unico e l’altro, alternati in un prima e un dopo senza un nesso evidente, ci suggerisce uno sguardo straniato e affettuoso sulle vicende, così come se ci trovassimo di fronte a un piccolo affresco composto di brevi racconti (se a qualcuno viene in mente Carver, forse è sulla strada giusta). Nella successione di queste storie si annida una malinconia di fondo, che forse nasce dalla sensazione che ciò che appare come ‘tempo presente’ sia già memoria. Insomma: l’effetto malinconico del ‘Tempo che va’. Anche se non va da nessuna parte.
Night bar – oltre alle storie dei suoi personaggi – è anche la storia di un locale che nel tempo cambia gestione, colore dei muri, clienti, pur rimanendo misteriosamente sempre uguale, in tutto simile all’andare e venire degli uomini sotto il cielo. Detta così suona come un concetto banale, ma appartiene a quei pensieri da nulla che se li vai a pensare bene, sono un atto di amore nei confronti dell’umanità. Non voglio dire che l’umanità se lo meriti, questo atto d’amore, ma il teatro deve rimanere il luogo dove l’umanità può sentirsi al sicuro: capìta, perdonata, e amata. E forse la storia dei luoghi dove l’umanità ha vissuto, ci aiuta a percepire pietosamente (ovvero con un sorriso affettuoso) il via vai delle nostre vite. Un via vai che forse non ha molto Senso, ma non dobbiamo certo essere noi a dargliene uno scritto con la maiuscola. Il teatro non fa filosofia. Possiamo solo tentare di dare un senso narrativo alla vita. Che per altro basta e avanza, poveri mortali. Lo spettacolo si apre con il bar chiuso e abbandonato. Ai locali succede. (Alle persone anche).
In questo luogo si svolge per primo Il calapranzi, breve storia di due delinquenti di basso livello, nascosti lì dentro per compiere un omicidio. Finito questo atto unico, il tempo si muove un poco (avanti o indietro negli anni), e vediamo lo stesso bar nel pieno della sua attività, mentre è (era) in corso una serata festosa. Una donna, una delle tante borderline che spesso hanno attirato lo sguardo di Pinter, di nome Tess arriva al bar come un angelo sgangherato, e si mette a parlare con un poveruomo che beve da solo. Fa un monologo di pazzia, di sessualità repressa, di solitudine. Lui la ascolta. Tutto qui. Quando finisce Tess ci ritroveremo in un altro momento nel Tempo: il locale dove prima si ballava adesso è un semplice baretto da quattro soldi, e dentro ci sono il barista e l’ultimo cliente della notte. Da un pezzo è passata l’ora di chiusura, ma quello, che è sempre L’Ultimo ad andarsene, non se ne va, e parla di niente. Di quel niente di cui si parla quando si tira tardi nei bar, e si sta lì perché forse si ha paura di tornare a casa. A voler cercare delle circolarità ‘formali’, si può dire che anche Il calapranzicomincia così, con Ben e Gus che parlano di niente. Quel ‘niente’ di Pinter, dentro a cui c’è il niente della vita, che sembra un tutto. Un niente così, che nella luce di certi bar, sembra perfino bello. Almeno a me. L’ultima storia è quella di Night, a parte il barista, il locale è malinconicamente vuoto, c’è solo una coppia di sposi sulla quarantina. I due cominciano a parlare, ricordano con tenerezza quando si sono incontrati per la prima volta e si sono innamorati. La loro memoria, però, non collima, ricordano le cose in modo diverso.
Se posso dire qualcosa a mio vantaggio, vorrei dirvi che questa successione di ‘storie da bar ‘ può dar vita a uno spettacolo che, tra le pieghe amare della verità, potrebbe risultare poetico e divertente. Il fatto di concentrare il fulcro narrativo sull’anima del locale – come se raccontassimo la sua storia – dà ai personaggi di Pinter la possibilità di accedere a un calore umano, per non dire a una tenerezza, che di solito a loro è vietata. Così come attraverso il tempo il Locale resta lo stesso, anche gli attori saranno sempre gli stessi a fare diversi personaggi. È evidente che in uno spettacolo come questo l’elemento che conta di più sono gli interpreti. Per un regista è una gioia avere attori straordinari come Arianna Scommegna, Nicola Pannelli e Sergio Romano. Costoro, oltre a tante altre qualità, hanno la virtù rara di essere anche un po’ clown. Quei malinconici clown senza naso rosso, capaci di cogliere l’assurdo dell’esistenza e renderlo senza peso. Ho lavorato su testi di Pinter diverse volte, e ad ogni occasione ho dovuto accorgermi che questo autore così severo e così ‘anaffettivo’, in realtà ama in modo sorprendente la teatralità, e richiede un gioco scenico fatto apposta per attori capaci di stare a mezza via tra il realismo e la colla per i baffi posticci. Pinter sembra aver bisogno di qualche artificio da baule di teatro, a volte, per poter manifestare fino in fondo la sua asprezza realistica. È un contrasto straordinario, che non sempre è stato compreso. A dire il vero nemmeno da me. L’ho solo intuito, diciamo così. In questo mio Night bar proverò a definirlo meglio. Sono certo che il gioco dei ‘trasformismi’, il puro talento teatrale degli attori, e le atmosfere sospese, in cui perfino il Dio del Tempo smette per un attimo di fare paura e partecipa a questo strambo girotondo, possono regalare allo spettacolo un ‘magic touch’ capace di salvarlo dall’abbraccio non sempre dolce degli angeli della desolazione (i quali si sa, amano i bar della notte…).
Note di regia di Valerio Binasco

IL SOGNO DI FOSSE

È un cimitero a fare da sfondo a Sogno d’autunno (Draum om Hausten del 1998): nell’incontro tra l’Uomo, sposato con figli, e la Donna, si colloca il vuoto di un misterioso comune vissuto. Frammenti di vita si incrociano in una manciata di minuti, ma in quegli istanti si muovono spettri di vecchi nomi, case antiche, amori lontani e genitori in attesa di sepoltura. Parabola che confonde vita e morte, passato e presente, felicità e infelicità, Sogno d’autunno è uno dei lavori che esprimono al meglio la drammaturgia rarefatta e potente di Fosse. Il suo è un linguaggio provocatorio, solenne e poetico: sonda i rapporti umani, s’insinua negli spazi vuoti del non detto, scava nei buchi neri dell’esistenza. Tradotto in oltre 40 lingue, l’autore e la sua scrittura si sono imposti per l’evocazione di un mondo in sospensione, dove il richiamo della vita e degli avvenimenti si smorzano fino ad assumere il tono velato e malinconico di una eco lontana.

NOTE DI REGIA

“John e Joe” di Agota Kristof è un testo molto poetico e struggente. Anche se è difficile non definirlo, allo stesso modo, un testo comico. Molto comico. E’ una specie di duetto lirico e clownesco (lirismo attribuibile solo all’anima dei personaggi e non alla scrittura) ed è, pur nel pieno realismo delle varie situazioni, da considerarsi quasi un testo metaforico sul denaro, la povertà, l’amicizia e la solitudine, e sul fatto che essere primi o ultimi nella società, sembra che sia solo un problema di predestinazione. I personaggi di questa commedia sono anime. Le anime degli ultimi, per l’appunto. C’è tanta bellezza e dolcezza in loro ed è per questo che il mio progetto teatrale, è più che mai orientato alla semplicità della messa in scena. Quando una scrittura è davvero grande (e Agota Kristof è di certo una grande della scrittura) l’unico lavoro importante che bisogna fare è creare “l’incanto” insieme agli attori. Mi pare una splendida opera teatrale questa che cerca di coniugare la metafora della “vita negli affari”, con i clochard-clown della tradizione, e con l’incanto delle anime semplici. Questa sintesi di poesia e d’intelligenza è spesso alla base del grande teatro contemporaneo, ed è una fantastica occasione per ridare un senso profondo al lavoro degli attori e alla gioia che tale senso profondo può regalare al pubblico.” (Valerio Binasco)

TUTTO IL MONDO E’ UNA CUCINA

Una giornata di lavoro nella cucina di un grande ristorante londinese. Ai fornelli e in sala cuochi e cameriere di diversa origine etnica.  Razzismo e lotta di classe, amore e odio, avidità, sesso e paura.
Wesker insegna a ridere di un’umanità per la quale “tutto il mondo è una cucina”.
«La cucina è una commedia scritta per farvi vedere dei cuochi al lavoro, e per mostrarvi quanto è duro e feroce il loro lavoro, eppure quanto è bello. Mentre vedremo all’opera i cuochi e le cameriere riusciremo anche a sapere qualcosa delle loro vite. Seguiremo una o due storie d’amore. Conosceremo le speranze e i fallimenti di molti. Vedremo da vicino la violenza che nasce dalla convivenza forzata di persone straniere. Vedremo come vengono preparati i piatti in un grande ristorante “commerciale”, e forse smetteremo di fidarci di quel che dicono i menù.  Vedremo come l’Europa (ovvero il Mondo) del primo dopoguerra sia così simile al nostro tempo.  E vedremo come l’idea che ha guidato quel giorno del 1958 l’ispirazione di Wesker, ovvero fare del teatro un megafono per parlare del tema politicamente più rilevante della società dell’epoca: il socialismo, se sfrondata dai suoi orpelli retorici e dalle sue mode culturali, riveli di essere nel suo profondo un’idea più alta, e più poetica. Un’idea di fratellanza». (dalle note di Valerio Binasco)

LA MODERNITA’ DI GOLDONI

Il Bugiardo è una commedia celeberrima, ricca di gag e di fulminanti trovate comiche. Gli equivoci che danno vita alla storia non sono però voluti solo da un festoso gusto teatrale, ma sono il risultato di una patologia tutta umana: il protagonista, Lelio, con le sue continue menzogne, innesca un meccanismo perverso e inesorabile che lo porterà alla rovina, al violento allontanamento dalla società in cui tenta disperatamente di inserirsi. Lelio è uno sbruffone e un bugiardo, ma è sostanzialmente un disadattato, vittima di una società troppo seria, troppo avida e incapace di affetti che non siano dettati dall’interesse o dal conformismo. E’ un essere umano dimenticato da tutti, addirittura dal padre, assente fin dalla sua giovinezza. Insofferente alle costrizioni, tenta di liberarsene con ogni mezzo, ma è tutto inutile: Lelio, che vive in un mondo tutto suo, è vittima del mondo degli altri. Ostaggio del mondo ipocrita e piccolo borghese di Pantalone, nella sua rivolta contro il modo dei padri, appare quasi un seguace di Don Giovanni.
Attorno a questa figura tragicomica ruota una galleria di personaggi buffi e crudeli, avidi, sospettosi e creduloni. Anche le donne, in questa commedia, pur essendo vittime di una società patriarcale severa e durissima, non sfuggono al conformismo messo in ridicolo dalle menzogne di Lelio. E’ una commedia divertentissima e cattiva. Il malessere e la paura serpeggiano tra le battute frizzanti. Come aveva capito benissimo Fassbinder, e come sostiene con acutezza Roberto Alonge, Goldoni è un autore moderno, con lampi di vera contemporaneità. Il Bugiardo offre molte occasioni per una regia ispirata dal gioco del teatro, che si avvale di un gruppo di attori formidabili, capaci di trascinare il pubblico e di sorprenderlo continuamente. Il Bugiardo è un punto di arrivo importante per la nostra Kompany, da qualche anno impegnata a proporre letture molto vivaci dei classici del teatro, salutate dal pubblico con entusiasmante successo. Tratteremo Goldoni così come abbiamo trattato Shakespeare: cercando di evidenziarne al massimo la forza poetica, i sentimenti più coinvolgenti e la contemporaneità. La nostra Compagnia ha uno stile essenziale e vivace che penso possa ben adattarsi a Goldoni, avvicinandolo ai grandi autori della nostra epoca, come Brecht, come Brook, e imprimendogli un ritmo narrativo agile come quello del cinema. Goldoni è il più popolare dei nostri autori. Credo che incontrarlo sia nel naturale destino di una Compagnia che, fin dal suo nome, vuole essere Popular. (Valerio Binasco)

SHYLOCK, LO STRANIERO

“Nel Mercante, tutto gira intorno a un gruppo di amici. Gli eroi di questa storia non sono degli eroi. Stanno in seconda e terza fila nella vita. Ma hanno delle inquietudini. Una spinta che li porta al gesto rischioso. Tuttavia, il fatto che siano sempre avventure condivise con gli amici fa di loro degli eroi un po’ paesani, creatori di aneddoti più che di leggende. Il testo appare dunque come “una cupa contro-favola”, una storia che sembra una favola, ma che fa sorridere solo gli adulti, perché han perso ogni speranza. Noi non dobbiamo cedere a questa tentazione. Anzi: noi dobbiamo fare del mercante una grande favola, e una festa del teatro. Cioè della speranza.
Nel mercante di Venezia le differenze religiose sono tratteggiate in modo fatuo: non è un problema di fede, ma di conformismo. L’essenziale, riguardo a Shylock, non è che è un eretico o un ebreo, ma che è un outsider. La terribile, umiliante, meschina sconfitta di Shylock, giusta o non giusta che sia, mi mette a disagio. Annuncio fin d’ora che starò dalla sua parte. Del resto, il bene e il male si spostano di continuo nel corso della pièce. Dipende dalle circostanze. Questa è una verità moderna e inattaccabile. La verità di una favola che rivela che non c’è nessuna verità. Eppure la vita può essere lo stesso una festa. Anche se il giorno stenta ad apparire. E non è notte né giorno. È l’ora stramba del teatro, quando sorge una luna di carta, e il vento accarezza le foglie senza fare alcun rumore. Niente ci ferisce. Nemmeno la vita. Non c’è nulla di più lieve, al mondo, del nostro essere qui. Insieme. Uguali.” (Valerio Binasco)

UN DRAMMA SULLA FINE DELLA CIVILTA’

Il celebre testo di William Shakespeare viene portato in scena dalla Shakespeare Popular Kompany, diretta da Valerio Binasco, composta da giovani attori sulla scia del successo del Romeo e Giulietta, prodotto dal Teatro Eliseo nel 2011. Il proposito è quello di mettere in scena ogni anno un classico, con la motivazione di continuare ad offrire al pubblico grandi testi, in un momento in cui la crisi sta direzionando il teatro sempre di più verso la messa in scena di spettacoli di piccole dimensioni.
La tempesta è una delle pièce più ‘magiche’ di Shakespeare, appartenente alla sua ultima fase creativa, quella dei ‘romances’, in cui rielabora in dimensione mitica e sacrale le grandi tematiche delle tragedie e commedie precedenti, a partire dalla lotta intestina per il trono – qui quella di Prospero, il legittimo Duca di Milano fatto esiliare dal fratello Antonio sull’isola misteriosa, dove si rincontreranno dopo il naufragio e la Tempesta -, a quella del teatro nel teatro – e infatti è questo uno dei pochi casi in cui il Bardo rispetta le tre unità aristoteliche – e a quella degli scherzi e incroci amorosi che sono sempre rivelatori di altro – come accade a Miranda, figlia di Prospero, e Ferdinando, figlia del Duca di Napoli amico del fratello usurpatore Antonio.

La Tempesta è uno dei testi più misteriosi e affascinanti del teatro mondiale. Gran parte del suo fascino dipende proprio dal suo mistero. Cercare il bandolo della matassa è inutile; è molto meglio puntare dritti al cuore della matassa, e perdersi. Qual è il cuore de La Tempesta? Per me è un dramma (malinconicamente) giocoso sulla fine della civiltà, sulla fine della vita e sulla fine delle cose in generale. Che c’è solo da comprendere. E comprendere non è perdonare. È arrendersi. Alla fine, resterà solo l’eroismo degli arresi. E Prospero, con fatica, si arrende. Anche se – dicono – ha vinto. (Valerio Binasco)